Talleres del FITLÂ-Festival Itinerante de Teatro Latinoamericano Âmbar: inscripciones abiertas

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El FITLÂ (Festival Itinerante de Teatro Latinoamericano Âmbar) anunció la apertura de inscripciones y becas para sus talleres. Entre los maestros destacados estarán el Teatro de los Andes y Javier Daulte.

La oferta es rica y variada: así, en la sección de «Talleres Internacionales», además del mencionado Teatro Los Andes (Bolivia), en cuya representación Alice Padilha y Gonzalo Callejas dictarán “La improvisación para la Escena”, también se podrá asistir a las siguientes propuestas: “La propia voz, el sonido del alma”, con Alegría Cáceres del Teatro Puentes Invisibles (Ecuador-Colombia-Argentina) , “Introducción a la creación escenográfica”, con Gonzalo Callejas del Teatro de los Andes (Bolivia), “En busca del propio Clown”, con Victor Stivelman del  Teatro Puentes Invisibles (Ecuador-Colombia-Argentina), “Teatro del Oprimido: la transformación de la herida”, a cargo de Héctor Aristizábal de ImaginAction (Colombia-Estados Unidos), “El teatro como forma de intervención socio-educativa”, dictado por Manuel Muñoz Bellerín del Teatro de la Inclusión (España), “Improvisación y creación colectiva- Taller montaje”, con Sandro Latorre del Colectivo PanParaMayo (Perú), “Nuevos medios en la escena contemporánea”, con el Coletivo Coato (Brasil), “Poéticas de la seducción”, con Marcel Méndez Fariñas del Teatro Pálpito (Cuba), “Movimiento raíz- Bases de la danza afro-brasileña”, con Jane Santa Cruz del Colectivo Âmbar (Brasil), “Estado escénico- Taller de dramaturgia y actuación”, a cargo de Fernando Santana del Colectivo Âmbar (Brasil), “Mi monstruo”, con César Omar Barrios de Les Cabaret Capricho (México) y “Aro invisible”, a cargo de Violeta Castro Rivas de Les Cabaret Capricho (México).

En la sección «Talleres Nacionales», Javier Daulte dictará el Taller de creación «El procedimiento», en tanto que Federico Borobio, director de Recursos Culturales, tendrá a cargo el taller de «Gestión y producción de proyectos culturales».

Podés descargar la información completa de los talleres incluyendo, horarios y costos en este link. Para inscribirte y recibir información podés consultar al FITLÂ vía correo electrónico a talleres.fitla@gmail.com.

Becas

Para la mayoría de los talleres se ofrecen becas y medias becas. Para aplicar a una envíanos tu CV, la ficha de inscripción adjunta y una carta de intención contándonos por qué aplicas a la beca. La fecha limite es el 28 de marzo a las 18 hs. La producción responderá sólo a los seleccionados el día 30 de marzo. Las medias becas no son acumulables con los descuentos.

Sobre el FITLÂ

El FITLÂ es un evento bienal organizado por el Colectivo Âmbar- Red de artistas y promotores escénicos latinoamericanos, cuyo principal objetivo es el intercambio cultural entre artistas latinoamericanos y la comunidad local del país anfitrión.

Este festival va por su cuarta edición, tras realizarse en San José de Costa Rica (2013), Salvador de Bahía (Brasil, 2015) y Lima (Perú, 2017). El IV FITLÂ Argentina 2019 se llevará a cabo en la ciudad de Buenos Aires, Argentina, del 10 al 21 de Abril de 2019. El evento reunirá a destacados artistas de Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, Costa Rica, Ecuador, México, España y Perú.

Talleres nacionales

El procedimiento- Taller de creación. Javier Daulte (Argentina)

En todo planteo escénico hay dramaturgia, un procedimiento; a veces oculto, otras veces explícito. Se trata de las reglas del juego. Una vez capturadas esas reglas sabremos acerca del funcionamiento de una forma peculiar de narrar en teatro. Este taller práctico, dirigido a actores, dramaturgos y directores, busca hacer claras las consignas que hacen a la eficacia de un procedimiento, que es en definitiva la base de todo relato.

Javier Daulte es guionista, dramaturgo y director de teatro. Fue fundador e integrante del ya disuelto grupo Caraja-ji de Buenos Aires. Ha recibido más de ochenta distinciones tanto en el ámbito nacional como fuera del país. Sus obras han contribuido a la renovación del teatro en Buenos Aires y Barcelona, introduciendo en sus argumentos elementos fantásticos y de género dentro de una construcción hiperrealista. Como director se destaca por la extraordinaria dinámica de sus puestas en escena y la precisa dirección de actores. Dicta cursos y seminarios de actuación y dramaturgia en Buenos Aires, Barcelona, Madrid, México, Caracas, entre otras ciudades, y ha participado de numerosos festivales internacionales. Es asesor pedagógico de la Escuela de Interpretación EÒLIA de Barcelona, donde se implementa su método para actores bajo el nombre de Procedimiento Daulte. Varias de sus obras han sido llevadas al cine.

Fecha: Miércoles 17 y Jueves 18 de 9 a 13hs. Sede: Teatro 25 de Mayo, Avenida Triunvirato 4444 (Villa Urquiza, CABA)

Gestión y producción de proyectos culturales. Federico Borobio- Recursos Culturales (Argentina)

Taller orientado a gestores, emprendedores y proyectos que quieran trabajar de manera profesional, sin importar la magnitud del proyecto ni la cantidad de integrantes. La propuesta contempla proyectos unipersonales y grupales en funcionamiento, o bien en su etapa de diseño. Entre los contenidos figuran: primeros pasos (idea vs. proyecto, contexto y diagnóstico, identidad del proyecto); herramientas para el diseño y la gestión (preguntas básicas: Por qué, Qué, Cuándo, Dónde, Para qué, etc); formulación del proyecto (redacción y comunicación, descripción y fundamentación, objetivos, criterios de evaluación); conceptos básicos del financiamiento cultural.

Federico Borobio es abogado, periodista, realizador audiovisual, gestor y emprendedor cultural. Es director y productor del portal Recursos Culturales y de la revista Emprende Cultura. Es director de contenidos en el Centro de Estudios de Emprendimientos Culturales (CEDEC). Desde al año 2008 dicta talleres de
Financiamiento y Diseño de presentaciones para proyectos culturales. Ha sido invitado para exponer sobre emprendedorismo y financiamiento cultural por diferentes instituciones de Argentina, Cuba y España. Como consultor tuvo a su cargo los proyectos Festival Internacional de Cortometrajes Sueños Cortos (2002) y Teatro Nacional Cervantes-Archivo Digital (2004), entre otros. Entre 2000 y 2004 se desempeñó como Director asociado de La Nave de los Sueños.

Fecha: Sábado 20/4 de 10 a 18hs. Sede: Espacio García, Vidal 3801, C1429 CABA

Talleres internacionales

“La improvisación para la Escena”. Alice Padilha y Gonzalo Callejas- Teatro Los Andes (Bolivia)

La improvisación es uno de los fundamentos de la creación, y uno de los pilares en el método de creación colectiva que el Teatro de los Andes ha desarrollado durante sus 25 años de trayectoria. Se trata de crear acciones poéticas, individuales y colectivas, para luego transformarlas en escenas. A partir de ejercicios de improvisación física y vocal se desarrollarán nociones de presencia escénica, consciencia de la utilización del espacio, composición de escenas y la creación de una dramaturgia del actor.

Alice Padilha Guimarães y Gonzalo Callejas son miembros del Grupo Teatro de los Andes desde sus inicios. El grupo se fundó en 1991 en la localidad de Yotala, Bolivia. Su trabajo está caracterizado fundamentalmente por la creación colectiva y la dramaturgia del actor. En sus obras se busca construir un puente entre la técnica teatral y las fuentes de las culturas andinas, utilizando el encuentro, el contacto y el diálogo como elementos imprescindibles. Han creado hasta el momento 25 espectáculos, los cuales fueron llevados a todos los rincones de Bolivia y a varios países de los cinco continentes.

Fecha: Jueves 11/4 y Viernes 12/4, de 9 a 13hs; Sábado 13/4 de 10 a 14hs. Sede: Teatro 25 de Mayo, Avenida Triunvirato 4444 (Villa Urquiza, CABA)

“Introducción a la creación escenográfica”. Gonzalo Callejas-Teatro de los Andes (Bolivia)

La escenografía en el teatro contemporáneo deja de ser un decorado o la reconstrucción de un ambiente para constituirse en una escritura tridimensional, un dispositivo capaz de iluminar y completar la acción dramática. En el Teatro de Los Andes la escenografía nace de manera orgánica junto a la creación de obra teatral: es un elemento vivo que, además de relacionarse directamente con los actores, participa activamente de la acción dramática, creando un universo de sentidos. El objetivo de este taller es compartir la idea de la realización escenográfica desde la creación de metáforas -imágenes escénicas- capaces de sintetizar una idea o un tema, provocando en el espectador la emoción, el cuestionamiento y la identificación.

“La necesidad hizo con que nuestras escenografías sean una síntesis de significados que hacen posible que el mundo quepa en una maleta” (Giampaolo Nalli). Gonzalo Callejas es actor y escenógrafo del Teatro de los Andes, grupo del cual es miembro desde sus inicios.

Fecha: Domingo 14/4, Lunes 15/4 y Martes 16/4 de 13 a 17hs. Sede: Teatro 25 de Mayo, Avenida Triunvirato 4444 (Villa Urquiza, CABA)

“La propia voz, el sonido del alma”. Alegría Cáceres- Teatro Puentes Invisibles (Ecuador-Colombia-Argentina)

La Voz es un vehículo para manifestarnos como seres. Es única en toda su dimensión humana, tanto física como emocionalmente. Aun así, se ciñe a las condiciones de comportamiento que establece la sociedad colocándola en una situación de engaño, de máscara, de artificio; reprimiendo la expresión y lo primordial y perdiendo la verdadera identidad vocal, individual y única. Para contrarrestar esto utilizamos la técnica como elemento concreto para favorecer la liberación del ser a través de la expresión y la creatividad en distintos espacios y momentos.

Alegría Cáceres es actriz, pedagoga e investigadora teatral, y es fundadora del Grupo Teatro Puentes Invisibles. Se inició en la Escuela Teatro Libre de Bogotá, Colombia. Luego se formó con Maestros de Argentina, Bolivia, Brasil, Colombia, España, Francia, Holanda, India, Italia y con grupos como el Odin Teatret (Dinamarca), Pantheatre (Francia), Malayerba (Ecuador), Lume (Brasil), Puente de los Vientos y con Parvathi Baúl (India). Con su obra “La Soledad de las Luciérnagas” (Dirección: Arístides Vargas) han realizado una gira latinoamericana con más de 100 funciones en 13 países.

Fecha: Martes 16/4 y Miércoles 17/4, de 13 a 17hs. Sede: Auditorio UPB, Campos Salles 2145, Buenos Aires, Argentina

“En busca del propio Clown”. Victor Stivelman- Teatro Puentes Invisibles (Ecuador-Colombia-Argentina)

La gran diferencia con el payaso tradicional es que el Clown no intenta hacer reír, intenta ser él mismo. La risa es sólo una consecuencia. El placer del Clown es mostrarnos tal cual somos, sin censuras, sin miedos… Ser nosotros mismos, ridículos, humanos y bellos. El trabajo es estrictamente personal: no hay un Clown igual a otro, como no hay un Ser igual a otro. Objetivo: generar vivencias orgánicas que sirvan como herramientas concretas en el camino hacia el propio Clown. Contenidos: atención, presencia y disponibilidad en la Escena; estado de Clown (estado orgánico en donde no actuamos el Clown, simplemente somos). Pensamiento Clown (no guiarse por el sentido común sino por una lógica personal); relación con el público.

Victor Stivelman es actor, pedagogo, investigador y director teatral. Se forma como actor en Buenos Aires, y con distintos maestros y grupos de Argentina, Brasil, Colombia, Dinamarca, España, Estados Unidos, Holanda, Italia y Taiwán, entre los que se destacan Eugenio Barba (Odin Teatret, Dinamarca), César Brie (Teatro de los Andes, Bolivia), Santiago García (La Candelaria, Colombia) y Arístides Vargas (Malayerba, Ecuador). Como actor ha trabajado con 6 grupos de 4 países diferentes. Ha participado en más de 40 festivales y se ha presentado en 19 países entre Latinoamérica, Europa y África. Es fundador del grupo “Teatro Puentes Invisibles”.

Fecha: Jueves 18/4 y Viernes 19/4 de 10 a 14hs. Sede: Malvado Colibrí, José A. Cabrera 3923, CABA

“Teatro del Oprimido: la transformación de la herida”. Héctor Aristizábal- ImaginAction (Colombia-Estados Unidos)

El Teatro del Oprimido (TO) es una metodología desarrollada por Augusto Boal para desarrollar procesos de toma de conciencia, estimular la capacidad crítica y promover acciones transformadoras a través de técnicas artísticas, lúdicas e introspectivas. En el teatro del oprimido analizamos el pasado en el contexto del presente para crear el futuro. En este taller, enfocado a trabajar con personas y grupos, exploraremos las técnicas del “Arco Iris del Deseo” y “Los Policías en la Cabeza” -las dos formas introspectivas del TO- además de bucear en el Teatro Foro y la figura del Joker. Héctor compartirá la manera en que él ha utilizado estas herramientas para entrenar equipos psicosociales en contextos de violencia y vulnerabilidad, usando también otras metodologías y técnicas así como historias tradicionales, mitos y rituales de pasaje.

Héctor Aristizábal es psicoterapeuta, actor, director y docente. Por más de 25 años trabajó en California como psicoterapeuta bilingüe de familias. Trabajó como actor, director y facilitador de talleres de teatro en más de 50 países, en particular en Colombia y Estados Unidos (doble ciudadanía). Con ImaginAction, la ONG que fundó en el año 2000, ha viajado por el mundo entrenando a cientos de personas en el uso del teatro como laboratorio para explorar alternativas a los conflictos. El trabajo de Héctor está inspirado en diversas metodologías como el Teatro del Oprimido (Augusto Boal), el Teatro del Testigo (Teya Sepinuck) Playback Theater (Fox/Salas), Bio Dharma (Beatriz Camargo) al igual que otras formas de participación con comunidades como El Trabajo que Conecta de Nuevo (Joanna Macy), el movimiento Mito-Poético (Meade) y los rituales modernos de iniciación.

Fecha: Sábado 13/4 de 10 a 14hs. y Domingo 14/4 de 10 a 19hs.
Sede: Malvado Colibrí, José A. Cabrera 3923, CABA

“El teatro como forma de intervención socio-educativa”. Manuel Muñoz Bellerín- Teatro de la Inclusión (España)

El teatro aplicado como herramienta de transformación en contextos de exclusión social. Técnicas de Improvisación, grupos de discusión y método de las acciones físicas, entre otros. Metodología participativa, inclusiva e interdisciplinaria, a través de la cual todas y todos nos configuramos en calidad de artistas. Citando a Gramsci “el teatro es conquista de una conciencia superior, por la cual se llega a comprender el propio valor histórico, la propia función en la vida, los propios derechos y deberes”.

Manuel Muñoz es director académico y profesor asociado del Departamento de Trabajo Social de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Pablo de Olavide (UPO), de Sevilla. Especialista en teatro social y creación colectiva, dictó talleres en Costa Rica, Nicaragua, Brasil y Colombia. Es facilitador y co-fundador desde 2010 del Grupo Teatro de la Inclusión, proyecto fundado para procesos con personas en contextos de exclusión social por carencia de hogar, grupo con el cual ha realizado 6 montajes de creación colectiva a partir de las narrativas de los protagonistas.

Fecha: Lunes 15/4 y Martes 16/4 de 10 a 14hs. Sede: C.C. de la Memoria Haroldo Conti, Avenida del Libertador 8151 (Nuñez, CABA)

“Improvisación y creación colectiva- Taller montaje”. Sandro Latorre- Colectivo PanParaMayo (Perú)

La improvisación permite explorar el potencial creativo, la sensibilidad y espontaneidad, así como ampliar y desarrollar la fluidez de ideas, la flexibilidad de pensamiento y la originalidad, elementos esenciales para la creación. La enseñanza-aprendizaje teatral desarrolla este potencial y las diversas habilidades de comunicación, sensibilidad creativa y relación con el entorno de trabajo, fomentando la capacidad de escucha, la confianza, el respeto y la tolerancia. Este taller tiene como objetivo la transmisión de herramientas y recursos artístico-pedagógicos en base a la improvisación y la creación colectiva.

Sandro Latorre es actor, educador y gestor cultural. Es bachiller en Educación- Especialidad Arte Dramático por la Escuela Nacional Superior de Arte Dramático (ENSAD- Lima, Perú). Coordina proyectos pedagógicos y artísticos en ONGs e instituciones públicas y privadas. Trabaja con adolescentes en situación de riesgo y en penitenciarías para la Pontificia Universidad Católica del Perú (PUCP). Como actor tiene veinte años de trayectoria en teatro, publicidad y televisión. Es fundador del colectivo escénico Panparamayo.

Fecha: Jueves 18/4, Viernes 19/4 y Sábado 20/4 de 14 a 18hs. Sede: Teatro 25 de Mayo, Avenida Triunvirato 4444 (Villa Urquiza, CABA)

“Nuevos medios en la escena contemporánea”. Coletivo Coato (Brasil)

El objetivo del taller es que cada participante identifique y comprenda los dispositivos operacionales de presencia física y digital experimentados durante el trabajo. Exploraremos y reflexionaremos sobre los conceptos básicos del uso de nuevas tecnologías en las artes escénicas como herramientas para la construcción de narrativas poéticas. El concepto de desmaterialización del arte, la presencia del campo escénico expandido y el uso del video como soporte narrativo serán nuestros focos de trabajo. Se prevé la experimentación en sala y calle para dar cuerpo a estos conceptos, teniendo como resultado diferentes micro propuestas. El taller es orientado a artistas escénicos.

Coato (ato de agir juntos/acto de accionar juntos) se constituye en el 2014 como un colectivo interdisciplinario de artes escénicas. Su objetivo es establecer el diálogo entre arte y sociedad, abarcando en sus propuestas temas relacionados con cuestiones sociales, históricas y políticas. Además de la creación de cuatro espectáculos propios, Coletivo Coato ha experimentado con diferentes lenguajes artísticos a través de intervenciones escénicas e instalaciones en espacios públicos.

Fecha: Martes 16/4 y Miércoles 17/4 de 18.30 a 22.30hs. Sede: Casa Sofía, Fitz Roy 1327 (Palermo, CABA)

“Poéticas de la seducción”. Marcel Méndez Fariñas- Teatro Pálpito (Cuba)

A través de la discusión teórica y la realización de ejercicios prácticos, tanto de escritura literaria como de orientación escénica, el taller se enfoca en el estudio del principio del deseo como proceso sicológico impulsor de la contemplación estética de la obra teatral. De esta manera se dota a los participantes de un instrumental metodológico que les permite una mayor claridad de pensamiento y una mejor concepción de sus presentaciones teatrales en tanto se utiliza al máximo los recursos de producción de deseo y de placer en el espectador.

Marcel Méndez Fariñas es graduado de actuación en la ENA (2004) y Licenciado en Dramaturgia por la Facultad de Arte Teatral del ISA (2011). Ha trabajado como actor, asesor, dramaturgista y director artístico con los grupos Estudio Teatral La Chinche, Gaia Teatro de La Habana, Teatro de la Luna, Estudio de Teatro Musical La Musa Araña, Compañía N´CHANT, Maniobras Teatro, Compañía del Cuartel y Teatro Pálpito. Ha
llevado a escena sus textos “El crimen secreto de Ginger Nut” (2011), “Ismene en 011” (2011) y “La cabalgata del monstruo” (2016), entre otros. Con la obra “Giordano Bruno”, de Tomás González (2010), obtuvo el Premio de la AHS en el Festival del Monólogo Latinoamericano Terry (2014).

Fecha: Fecha: Jueves 11/4 de 18 a 22hs y Sábado 13/4 de 14 a 18hs. Sede: Casa Sofía, Fitz Roy 1327 (Palermo, CABA)

“Movimiento raíz- Bases de la danza afro-brasileña”. Jane Santa Cruz- Colectivo Âmbar (Brasil)

El taller parte de los principios básicos de la danza afro-brasileña, fuente precursora de la creación y del reconocimiento de matrices ancestrales. Se trabajará el fortalecimiento y valorización de la presencia a partir del contacto con el movimiento elemental-ancestral que la danza afro-brasileña posibilita, llevando a lxs participantes al reconocimiento y desarrollo de su presencia y autonomía a partir del fortalecimiento del ser. Este taller forma parte de una investigación sobre la presencia del artista que la tallerista viene desarrollando y aplicando desde 2012 en varias ciudades de Brasil, América Latina y Este europeo.

Jane Santa Cruz es creadora escénica. Se desempeña como actriz, bailarina, facilitadora artística y productora cultural, desarrollando trabajos de forma continua con profesionales de referencia dentro y fuera de Brasil. Es Bachiller en Interpretación Teatral por la UFBA. Es co-fundadora de los Grupos Toca de Teatro y Panacéia Delirante, y miembro activo del Colectivo Âmbar donde desde hace más de siete años integra y gestiona proyectos de investigación, intercambio y difusión de las artes en Latinoamérica.

Fecha: Lunes 15/4 y Martes 16/4 de 9 a 13hs // Martes 16/4 de 9 a 13hs y de 14 a 18hs. (a definir). Sede: UNSAM, Francia 34 (San Martin)

“Estado escénico- Taller de dramaturgia y actuación”. Fernando Santana- Colectivo Âmbar (Brasil)

El taller se basa en la prontitud escénica en su totalidad, buscando ampliar la comprensión del estar en escena, de habitarla. Se busca priorizar la libertad creativa de cada uno de los participantes, potenciando el juego escénico y eliminando la preocupación por los errores, aciertos y juicios. Se utilizarán técnicas de interpretación, autoimagen, capoeira regional (arte marcial y danza brasileña), expresión y conciencia corporal, entre otras. Al finalizar el taller cada participante se llevará un texto teatral de su propia autoría, que será presentado y conversado con el resto de los compañeros. El taller está dirigido a actores con experiencia.
Fernando Santana es actor, director, dramaturgo, coach actoral y facilitador artístico. Es Bachiller en Interpretación Teatral por la Universidad Federal da Bahia (UFBA) y el Liceo de Artes y Oficios de Bahía. Es miembro del Colectivo Âmbar desde 2012. Su búsqueda artística parte de la creencia del teatro como uno de los más fuertes y milenarios vehículos para la educación y formación del individuo, proporcionándole sustentabilidad y desarrollo. Con las obras “Sobre a Pele” (2016) y “Mesmo Sem Te Tocar” (2017) ha recibido numerosos premios y nominaciones en los rubros Actuación, Dirección y Dramaturgia.

Fecha: Lunes 15/4 y Martes 16/4 de 9 a 13hs // Martes 16/4 de 9 a 13hs y de 14 a 18hs. (a definir). Sede: UNSAM, Francia 34 (San Martin)

“Mi monstruo”. César Omar Barrios- Les Cabaret Capricho (México)

El objetivo del taller es que cada participante se encuentre y juegue con sus monstruos, redescubriendo sus cuerpos libres, únicos, cómicos, excéntricos, imperfectos. Se trata de entrar por las fisuras del cuerpo y explotar los límites de las sensaciones. Mi monstruo es la seguridad de estar vivo, la capacidad de romper patrones, de dejarme afectar y afectar al otro. Mediante singulares prácticas de danza teatro buscamos comprender sus movimientos, gestos, dolores y éxtasis. Trabajamos con los afectos para convertirlos en acciones, en imágenes, en danza personal. Mi monstruo me hace recordar, pasar por el corazón lo que sé de mí y también lo que aún es misterio. Dirigido a estudiantes, actores, bailarines, deportistas, circenses, músicos, coristas, abuelos, educadores, psicólogos, edecanes y todo aquél que desee entrenarse para permitir que su cuerpo diga y reivindicar su monstruo. No recomendado para seres demasiado normales.

César Omar Barrios es videasta, director y actor. Enfocado en encontrar un modo propio de hacer y pensar el trabajo escénico, desde 1999 investiga el trabajo del actorbailarín, diseñando un particular entrenamiento en variadas disciplinas del cuerpo que van del performance y el clown al entrenamiento energético y el circo. Sigue estudios con maestros como Lume Teatro, Leo Bassi, Riccardo Maffiotti, The Slovaks, Alex Navarro, Caroline Dream, Sue Morrison, Jeff Johnson y Sigfrido Aguilar. Es voluntario de Médicos de la Risa y promueve y apoya la sociedad alegre y la colectividad.

Fecha: Jueves 11/4 y Viernes 12/4, de 9 a 13hs. ó de 14 a 18hs. (a definir). Sede: UNSAM, Francia 34 (San Martin)

“Aro invisible”. Violeta Castro Rivas- Les Cabaret Capricho (México)

¿Por qué queremos hacer ese «truco» que hizo alguien? ¿Por qué seguir haciendo lo que ya sabemos y no hacerlo de otra manera? Este taller te ayudará a imaginar y encontrar movimientos, maneras de hacer – comunicar a través de la investigación, proporcionándote herramientas para ampliar tu búsqueda creativa en el aro para la escena. Improvisación, juegos y presencia escénica; construir desde la intención; riesgo, incomodidad, sorpresa, simplicidad; estirar el tiempo, musicalidad; encuentro con el público.

Maída Violeta Castro Rivas es licenciada en Medios Audiovisuales, estudió danza clásica en el Instituto Cultural Cabañas y danza aérea con Kathy Arce y Juan Luis González. Su educación es muy integral, procura aprender de todo lo que le gusta e inspira a crear a partir del teatro físico, la danza, el clown, el canto y las técnicas aéreas. Ha tomado múltiples clases y talleres dentro y fuera de México. Ha enseñado acrobacia aérea en telas, aro, trapecio y elongación durante 10 años en varias ciudades dentro y fuera de México. Es integrante de la Compañía “Les Cabaret Capricho” desde su inicio en 2007.
Fecha: Jueves 11/4 y Viernes 12/4, de 9 a 13hs. ó de 14 a 18hs. (a definir). Sede: UNSAM, Francia 34 (San Martin)

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Fuente: FITLÂ

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